ある人がゴミを検討し、別の人が価値があると思うかもしれないというのは一般的な知識です。したがって、これらの映画のいずれかが貴重なものとしてあなたと和音を打つなら…それは私たちの映画の好みの大きな違いを示しています – それは非常に重要な違いであり、それは映画の味に関しては異なる世界から歓迎されるようです。
今日は、過去30年間の30の最も残念な映画をリストするScreencrushに私たちを見つけるでしょう。 90年代半ばから今まで、これらの映画はチケットでお金を使うことに悔い改めたと感じており、私たちの人生の決定に自己疑念の瞬間を引き起こしたかもしれません。
スーパーヒーローフリック、サブパロディー、テレビシリーズの適応、続編、大切な小説の残念な映画の適応、リスケの人形番組、ビデオゲーム映画など、膨大な数のジャンルが見つかります。過去30年間の最悪の映画のリストは、それらなしでは不完全であり、はい、アベンジャーズを持っています。 （同じavengers、心配しないでください。別のavengersがありました。
このリストを作成すると、魅力的でありながら必要なタスクに取り組むことに似ていました。幸いなことに、私たちのスクリーンクラッシュチームはこのような課題で繁栄しています。実際、彼らの映画やテレビ番組への愛は、強迫観念に境界を尽くしています。映画や大胆なウォッチングシリーズについて書くことに情熱を傾けていないなら、これはあなたのための場所ではないかもしれません。
さて、遊び心のある冗談を脇に置いて、過去30年間の30の最も低い評価の映画のカウントダウンを始めましょう。これらを見る機会がなかったら、私たちの評価で十分です。そして、あなたがそれらのどれも見たことがないなら、それは映画でのあなたの選択は本当に識別力があるように思われます。
過去30年間の30の最悪の映画（1995-2024）
30。WildWild West（1999）
映画愛好家として、1999年の映画「ワイルドワイルドウェスト」が過去30年間にわたってハリウッドの変化をどれほど正確にカプセル化するかを十分に強調することはできません。ほとんど忘れられた前提から始めて、それは物語を覆い隠すことが多い壮大な特殊効果で満たされた光景に膨らみました。プロダクションはそのような災害であり、その主演俳優でさえ、ウィル・スミスはそれを公然と軽spiしていました。今日のインタビューで、彼はそれを彼の最悪の映画であり、絶え間ない刺激源と呼んでいます。
29。ストリートファイター：The Legend of Chun-li（2009）
Jean-Claude Van Dammeをフィーチャーした最初の「Street Fighter」映画の15年後、本質的にリメイクがありました。その称号に反して、それは伝説と最小限のストリートファイティングを欠いていました。しかし、Chris Kleinは、Charlie Nashとして映画史上史上最悪のパフォーマンスの1つを提供することをフィーチャーしました。彼は代わりにカメラのためにカメラのためにうなり声を上げ、ポーズをとっているので、彼はまったく同じ名前の「ストリートファイター」のキャラクターに似ていません。目撃するのは驚くべき展示です。
28。Ringmaster（1998）
「ジェリー・スプリンガー・ショー」の名声のピークの間に、ジェリー・スプリンガー自身が「リングマスター」というタイトルの映画に出演しました。この映画では、彼は実際のショーを反映した「ジェリー」と呼ばれる怪しげなトークショーの困惑したホストを描いた。彼の実生活のショーを飾ったエキセントリックと注意を求める人の間でコンテンツを登場しますが、スプリンガーはプロの俳優と同じ設定の架空のバージョンを特徴とする「リングマスター」で厄介に見えます。サポートキャストの一部は、卑劣な素材で満足のいくパフォーマンスを提供しますが、この映画が明らかに不快で場違いを感じている個人を中心に展開することを無視することは困難です。
27。ハッピータイム殺人（2018）
ブライアン・ヘンソンの大人向けの操り人形のコメディ「The Happytime Murders」では、ユーモアは成熟した聴衆に傾いており、しばしばセックスについての明示的なジョークを含んでいます。クリエイターは、主にエッジの効いた環境での人形のアイデアに焦点を当てているように見えました。あなたがバーの雑学の夜に自分自身を見つけて、「どの映画が人形のペニスを噛んでいるメリッサ・マッカーシーが特徴ですか？または「ジョエル・マクヘイルは、「基本的な本能」シーンのパロディで人形の膣を見つめていますか？」と、両方の答えは「ハッピータイム殺人」です。どんな尊厳でも現れる唯一のキャラクターはマヤルドルフです。彼女はなんとかライスピラフについて冗談を言っています。これは、この不機嫌なプロダクションで真のヒーローとして彼女を示しています。
26。Steel（1997）
1990年代から作られていない映画を探している場合、Shaquille O’Nealの名前をトップにあるものを探しても失望することはありません。映画「Steel」では、彼は漫画本でスーパーマンを一時的に置き換えたDCキャラクターをモデルにした装甲スーパーヒーローを演じています。 （スーパーマンはどこにも見つかりません。スチールの起源の物語の大幅なオーバーホールを必要とします。）オニールは確かにスーパーヒーローとして法案に適合し、自分自身を楽しんでいるようですが、スクリプトは自己言及的なジョークで満たされています。その結果、「Steel」は、実際の映画ではなく、過度に長く、悲惨なsnlのスケッチのように感じられます。
25。ヘンリーの本（2017）
「ジュラシックワールド」に続くコリントレヴォローの映画は、魔法のリアリズムと児童虐待の要素を独自に融合させたヘンリーの本「困惑するフロップ」です。この映画はまた、現代のキリストのたとえ話としても機能し、彼の困った母親が殺人を犯し、虐待された継娘を採用できるように、自分自身を犠牲にする強力な人物を描いています。同時に、このメッセージの比phorとして母親の暗殺スキルを教える知的な子供を使用して、この不条理な前提を信じられないほど真剣に考えながら、それは無関心の危険についての注意の物語を伝えています。 （実際、これらのイベントは「ヘンリーの本」で発生します。私はあなたを保証します。）
24。スペースジャム：新しい遺産（2021）
映画愛好家として、「スペースジャム：新しいレガシー」を見ることは、ワーナーブラザーズにとって謙虚な経験であり、敵対的なアルゴリズムによって制御されたIPの無情なコングロマリットとして自分自身を描写していることを認めなければなりません。映画自体が平らになり、オリジナルの「スペースジャム」は「2001：A Space Odyssey」などの映画の傑作のように感じます。レブロン・ジェームズはひどい俳優ではありません。彼のパフォーマンスは、最初の映画でマイケル・ジョーダンと同等です。しかし、「新しい遺産」に関する他のすべては、最初から最後まで失望しました。この映画はルーニーの曲の本質を見逃しているように見え、特にバグ・バニーは気まぐれで陰鬱なキャラクターに変わりました。私の推薦？代わりに、マックスでクラシックな「ルーニーチューンズ漫画」をご覧ください。ランダムなショートでさえ、この2時間の機能よりも多くの笑い声が得られることを保証します。さらに、アニメーション品質は優れています。
23。Basic Instinct 2（2006）
ありふれた対話を並外れた官能的な境界に変えるためのシャロン・ストーンのユニークなコツ。しかし、彼女の並外れたスキルにもかかわらず、映画「Basic Instinct 2」は最初から最後まで感動することができません。ストーン（またはむしろ、むしろ、むしろ、オーバープレイ）彼女のキャラクターは、デイビッド・モリッシーの男性のリードを一貫して覆い隠しています。彼女が彼を簡単な獲物として認識し、祈りのマンティスがその犠牲者を与えるような娯楽のために彼と一緒におもちゃにすることを決めない限り、なぜ彼女が彼に惹かれているのかは不明です。
映画では、ストーンのキャラクターキャサリンは自分の食べ物で遊んでいることを楽しんでいるようですが、モリッシーの精神科医は非常に弱いので、物事がどのように展開するかについてのサスペンスがないので、彼に苦しむことに興奮がほとんどありません。 1992年のドリームチームが地元のRec Center Kidsのグループを簡単に追い越しているのを見るようなものです。キャサリンはアドレナリン中毒者であるはずですが、この弱い相手に直面してもリスクはありません。
22。DirtyAndpa（2016）
映画「Dirty Grandpa」は、「The Happytime Murders」と同様のユーモラスなアプローチに従います。純粋さと無邪気さを表す人（祖父のような）が粗い言語を使用している場合、それは自動的に面白いと仮定します。 「Smegma」のようなフレーズを楽しませるフレーズのフレーズのアイデアを見つけたら、「Dirty grandpa」を楽しむでしょう。ただし、そうでない場合は、失望したままになる可能性があります。肯定的な注意として、タイトルは確かにその名前に耐えています。
21。スカーレットレター（1995）
1980年代から90年代初頭、エロティックなスリラーはハリウッドで大流行し、「致命的な魅力」の成功に続いて、大人向けのセクシーなドラマが数多く生産されていました。しかし、90年代が進むにつれて、より多くの視聴者を引き付けることができるより広い家族の娯楽への移行がありました。 4,500万ドルの予算のほんの一部しか成長していなかった「スカーレットレター」の故障と低品質は、このジャンルの終miseに大きく貢献しました。
「スカーレットレター」の映画化に関しては、それは忠実な表現ではなく、小説の未熟なティーンエイジャーの解釈のように思えます。ナサニエル・ホーソーンの作品からの罪悪感と罪のテーマは、ヘスター・プリンの夫としてのロバート・デュバルによるソフトコアのセックスシーンと疑わしいパフォーマンスに置き換えられました。全体として、文学の古典の忠実な適応というよりも、「赤い靴の日記」の純粋なリメイクのように見えます。 （これはおそらく映画の赤い靴を説明しています。）
20。Marmaduke（2022）
「Marmaduke」よりもugいて視覚的に魅力的ではないアニメーション映画を見たことがあるなら、私はしていません。そして、私は決してそうしないことを願っています。この映画は、疑わしい状況の下で、またはプロデューサーが特定の締め切りによって何か – 何かを作らなければならなかった土壇場の取引の一環として作られたようです。
しかし、凶悪なアニメーションにもかかわらず、「マーマデューク」は、J.K。シモンズ、デビッド・コエクナー、ピート・デイビッドソン。彼らはスクリプトを読みませんでしたか？彼らは彼らの恐ろしいキャラクターがどのように見えるかを示していませんでしたか？それとも、彼らはそれぞれ参加と引き換えに私的島を提供しましたか？私はこれがどのように起こったのかを推測することはできません。 「マーマデューク」は純粋なゴミに他なりません。私は自分のブーガーについての歌を発明することで、スクールバスで私をからかいた子供たちにそれを強制しませんでした。
19。マダム・ウェブ（2024）
この映画のキャラクターを描いているマダム・ウェブとダコタ・ジョンソンは、マーベル・スタジオの前にプロデュースされた古いマーベル映画を思い起こさせるように見えます。この映画では、タイトルのキャラクターもジョンソンのキャラクターも「マダムウェブ」と呼ばれることはなく、典型的なスーパーヒーローの衣装を着ることはありません。映画の全体的な感触は、自己意識の1つであり、状況下では驚くことではありません。この映画は風変わりで独特で、時には従うのが困難です。驚くべきスパイダーマンと比較して、それはよりスパイダーマン2のように思えます。ケビン・フェイジと一緒にそれを見ることは、おそらく面白い体験をするでしょう。
18。Turbo：パワーレンジャーズ映画（1997）
「Mighty Morphin ’Power Rangers：The Movie」は最高ではなかったかもしれないという事実にもかかわらず、彼らは典型的なエピソードと比較してもう少しお金を投資したようです。逆に、「Turbo：A Power Rangers Movie」は、普通のパワーレンジャーのエピソードと同じくらい安くて粘着性があります。すべてのダイアログラインがポストプロダクションで再録音され、別の言語で話されたという印象を与えたか、おそらくサウンド技術者がマイクをアクティブにするのを忘れていたようです。アクションシーケンスでさえ、シリーズの通常の標準に達していません。驚くべきことに、これが不十分な映画は、全国の多数の劇場に配布されることができました。 （おそらく、タイトルは、完全に消滅する前に、レンジャーの流行を大量に活用しようとする試みで生成された速度を指しますか？）
17。TheSpartansに会う（2008）
過去30年間で最も落胆する映画の傾向の1つは、主に「怖い映画」シリーズの大幅な経済的成功によるものであるスプーフィング映画の流入でした。これらのいわゆるコメディの多くは、「怖い映画」フランチャイズに取り組んだジェイソン・フリードバーグとアーロン・セルツァーによって作成されました。彼らのユーモアの定義は、「Shrek」、「Spider-Man 3」、「Happy Feet」からの無関係なジョークも含まれていますが、「Meet the Spartans」の場合、有名な映画のシーンを再現することでした。ユーモアは、lookalikesと人々がgro径部に襲われることで構成されていました。
ユーモアが見つかった場合（そしてそうではありませんでした）、ジョークのほとんどは2000年代後半に非常に特異的で、リンゼイローハンやパリスヒルトンのようなタブロイド飼料のジャブがあり、現在は古代ギリシャの石のタブレットのように見えます。スパルタンに会ったことがないことがどれほど重要であるかを十分に強調することはできません。
16。TheJerky Boys：The Movie（1995）
15。X-Men Origins：Wolverine（2009）
タイトルの混乱はさておき、これはX-メン映画、ウルヴァリンの物語、または起源の物語ですか？おそらく3つすべてを組み合わせることができます！監督のギャビン・フッドが1つの側面に焦点を当てることを選択した場合、まともな映画の可能性があったかもしれません。しかし、最初から多数のX-メンとウルヴァリンの物語を混ぜ合わせるという概念は、このプロジェクトが運命づけられているように思われました。ヒュー・ジャックマンのローガンが語った「私たちはこれにサインアップしなかった」など、 x-menの起源のラインは、映画の中での彼のキャラクターの欲求不満と映画自体に関する解説の両方を反映しています。他の例には、「私たちは十分にやった！」、「あなたは何か間違ったことをしようとしている男のように見えます」、そして私の個人的なお気に入り「それが終わったとき、私を起こしてください。
14。検査官ガジェット（1999）
80年代には、最も楽しいアニメーションのテレビ番組の1つが現れましたが、90年代の悪化する大ヒット映画に変身しました。主な問題はキャスティングにあります。魅力的で面白い俳優のマシュー・ブロデリックは、騒々しく、ぶつぶれた検査官のガジェットの法案に合わない。ルパート・エベレットも、悪党博士のクローとして誤ってキャストされています。エフェクトは、元のインスペクターガジェットの漫画と比較して過度に漫画的であり、不安なスタジオの幹部によって急いで編集されたように見える最終バージョンは、クレジットのほんの70分前です。驚くべきことに、それはまだ長すぎます。
13。パパデイキャンプ（2007）
「Daddy Day Care」のキャストは、この風変わりな続編に参加することを避けたように見えます。元のスターのエディ・マーフィー、ジェフ・ガーリン、スティーブ・ザーン、レジーナ・キングは、キューバ・グッディング・ジュニア、ポール・レイ、ジョシュ・マクレラン、タマラ・ジョーンズに取って代わられました。監督のスティーブ・カーも関与していませんでした。最初の映画は、マーフィーとガーリンを中心として、デイケアセンターを管理することを学びました。続編では、彼らはキャンプを引き継ぎます。彼らは、今では洗練された保育能力を考えると、簡単な勝利だったはずです。しかし、続編であるため、映画自体のように、すべてが再び驚かされます。
12。Elektra（2005）
マーベルシネマティックユニバースに至るまでの年は、マーベル愛好家にとって悲惨な段階でした。X-メンとスパイダーマンのフランチャイズの最初の成功に続いてスタジオが過度に野心的になりました。彼らは、以前の作品をマークした注意や品質管理の多くをせずにマーベルの適応を生み出し始めました。この時代の最悪の映画の1つはエレクトラでした。ジェニファー・ガーナーは、彼女のDNAの痕跡を排除するために床をきちんと掃除する暗殺者としての彼女の役割を改めたが、彼女は彼女の仕事で無謀であり、彼女はミッション中に彼女の鼻の隣人と交流し、実際に彼女の割り当てであることを認識することに失敗します。
さらに、デアデビルで死んだ後のエレクトラの復活は、彼女に未来を予見し、必要に応じて時間を操作する力を与え、本質的に彼女を不滅の神にしました。だから、当然、彼女は忍者を刺すように走り回る全能を費やします。タイムトラベルができたら、同じことをしませんか？
11。Norbit（2007）
映画ファンは、エディ・マーフィーが複雑な補綴メイクを使用して単一の映画でいくつかのキャラクターを描いているときに喜びを感じることがよくあります。批評家からの不利な批評にもかかわらず、2007年の映画 Norbit は、わずか6,000万ドルの生産予算に対して世界中で1億6,000万ドル近くを生み出しました。ただし、これは質の高い映画であることを意味するものではありません。この例では、マーフィーの身体的変態に対する才能（リック・ベイカーの一貫して驚くべきメイクアップ効果を伴う）は、支配的な女性（両方ともマーフィーが演じる役割）と結婚する弱い心の男性についての悪化する物語を語り、夫をパートナーよりも虐待された召使のように扱います。マーフィーのvindictive的で暴力的なラスプティアの描写は技術的に熟練していますが、それは彼女の体重についての無限のジョークで満たされた、トガリネズミの厳しい似顔絵を提示します。怪我にs辱を加えるために、マーフィーはまた、地元の孤児院を走り、厚いステレオタイプのアクセントで話す中国人であるウォン氏を具体化しています。生産全体は単に落胆しています。
10。絵文字映画（2017）
スマートフォン文化を探索する巧妙な映画が想像していて、おそらく絵文字の世界を掘り下げることさえ想像することができますが、そのようなスクリプトは、「絵文字映画」で見つかったものよりも鋭くて風刺的である必要があります。多様性を受け入れることについてのやや楽観的なメッセージを超えて、この映画は、毎年何百万ものスマートフォンを販売することに成功しているハイテク企業に結び付けられたスタジオに期待されるかもしれないものです。携帯電話を所有することは、異性の間で人気と魅力を高めることを意味します。ええ。
より簡潔に、「スマートフォン文化に関する映画は、絵文字であっても興味をそそられる可能性がありますが、「絵文字映画」よりも鋭いスクリプトが必要です。多様性に関する肯定的なメッセージを超えて、この映画は本質的に何百万ものスマートフォンを販売するハイテク企業の広告であり、魅力的ではないことを示唆しています。
9。理事長（1997）
Prop Comic Carrot Topを主演する映画は非常に期待されていないかもしれませんが、「理事会の議長」は、これらの低い期待にさえも不足しています。この映画では、ニンジントップは、裕福なビジネスマン（ジャックワーデンが演じる）と同盟を結ぶ衝撃的な発明家を描いています。残念ながら、スクリプトに理論的に存在するユーモアは実現できません。しかし、銀色の裏地があるなら、そして私を信頼しているなら、それは最小限です – この映画は、深夜のテレビ史上最も象徴的な瞬間の1つを提供してくれました。コナン・オブライエンのショーのインタビューで、共演者のコートニー・ソーン・スミスは、ニンジンのトップフィルムの可能性についてユーモラスにコメントしたノルム・マクドナルドによって繰り返し中断されました。 （「ニンジンのトップをフィーチャーするなら、あなたはそれがどんなフィッティングタイトルになるか知っていますか？
8。ArtemisFowl（2020）
当初、約65年前のCovid-19パンデミックの開始時に（タイプミス、2020年になるはずです）、ディズニーはディズニー+で直接リリースされた「Artemis Fowl」を除き、2020年のすべての大ヒット作を延期しました。振り返ってみると、これは警告サインでした。最愛のヤングアダルトブックシリーズの映画適応は、約10冊の本のコンテンツをわずか90分に凝縮し、混乱とほとんど揺るぎない結果につながります。 Josh Gadのキャラクターが、Artemis Fowlの家から強制力を与えて、彼らとの対話なしに別のキャラクターを阻止するために彼と一緒に強制的に移行した方法を解読できれば、あなたはIよりもインテリジェントです。
7。マスクの息子（2005）
私の意見では、ジム・キャリー映画の続編のような悲惨な映画、特にコメディの天才自身を主演させない映画はほとんどありません。オリジナルの「マスク」の魅力は、キャリーのフィルタリングされていない創造性、なりすましのコツ、そして彼の多様な一連の声を解き放つ謎めいたマスクにありました。 「マスクの息子」の不幸な場合、ジェイミー・ケネディのキャラクターはめったにマスクを着用しません（彼の犬はそれをより頻繁に着ているように見えますが、不可解に着るようです）。皮肉なことに、彼は皮肉なことに、キャリーの描写をミミックすることを目的とした闘争中の漫画家です。他の俳優の声がケネディの声を吹き替えられて、元のキャラクターにもっとよく似ているように感じます。
2番目の行為は、ケネディの犬が家族の生まれたばかりの赤ちゃんをうらやましくなると、予想外のターン、またはむしろ不条理に突入します。はい、あなたはそれを正しく読みます：陰謀はje深い犬を中心に展開します！安心してください、赤ちゃんは安全です。彼はマスクに似た力で生まれました。ジェイミー・ケネディでのこのグロテスクなCGIの赤ちゃんの排便と嘔吐の姿にあなたを準備することはできません。この映画は、「The Mask。
6。TheAvengers（1998）
当初、議論されている映画は1998年の「The Avengers」であり、これは以前の英国のスパイシリーズに基づいており、今日私たちが知っているマーベルコミックやスーパーヒーローチームではありません。この映画でラルフ・ファインズとウマ・サーマンによって描かれたキャラクターは、復avenのアクションを実行しません。しかし、映画の全体的なプロットを考慮すると、タイトルはふさわしく奇妙に思えます。
「The Avengers」のこのバージョンは、重要な部分が欠けているように見える90分間の短い映画です。シーンは突然終了し、キャラクターがそれらの間をどのように移動したかについて説明することなく、さまざまな場所で始まります。特殊効果を持つアクションシーケンスが存在しますが、過度の視覚効果の中でキャラクター開発、動機付け、人間の感情の追加など、これらのシーンを通常接続する物語要素は存在しません。その結果、「The Avengers」は、元の作品の代わりにCliffsnotesを読むのと同様に、それ自体の凝縮バージョンのように感じます。
5。一人で暗闇（2005）
Uwe Bollは、10年間で最も批判されたディレクターの1人としての評判を獲得し、ドイツの税の抜け穴の助けを借りて多数のビデオゲームの適応を生み出しました。メルブルックスの「プロデューサー」のキャラクターをゲーマーとして想像すると、写真が撮られます。 2000年代のボルの多くの残念な映画の中で、タラ・リードは素晴らしい考古学者を演じており、クリスチャン・スレーターは超自然的な出来事を調査する探偵を描いています。残念ながら、映画は非常に混乱しているので、その長いオープニングタイトルクロールでさえ、90秒間続くので、それがなかったよりも「暗闇の中で単独で」理解するのが難しくなります。 （クロールは文字通り90秒間実行されます。）覚えておいてください、「Alone in the Dark」はすでにこれまでに作られた最悪のビデオゲーム映画としてランク付けされていたため、このリストに含まれることは、Bollの仕事の品質がどれほど低いかを示しています。
4。Winnie-the-Pooh：Blood and Honey（2023）
有名なA.A.に大まかに触発された低予算のホラー映画。現在パブリックドメインに入っているミルンの本は、効果的な斬撃映画としても、子供の文学の批評としても提供していません。代わりに、驚くべきことに、パブリックドメインのアイデアに対して型破りな議論を提示することに成功しています。著作権保護がこのようなプロダクションが生産され、視聴者にさらされないようにしている場合、おそらくその存在は結局それほど有害ではありません。本質的に、「血と蜂蜜」は非難できる混乱です。
3。ドリトル（2020）
ストリートドクターのドクターがジャックネイピアの顔の再建を失敗させ、ジョーカーの創造につながるティムバートマンのスタイルでは、ドリトルは似ています – それは、最初はまったく異なるプロジェクトの残り物と改訂からつなぎ合わせたように見える混oticと混乱する混乱です。より深刻なプロダクションとして始まった可能性が高い映画は、トイレのユーモア、動物のしゃれ、見掛け倒しのCGIでいっぱいの映画のようなフランケンシュタインのモンスターに変わり、ロバート・ダウニー・ジュニアによるトップのパフォーマンスに変わり、ジョニー・デップのキャプテン・ジャック・スパローが恥ずかしがり屋に見えます。
2。マッドドッグタイム（1996）
映画「Mad Dog Time」は、そこにいる最悪の映画の1つではありませんが、確かにそこにあります。しかし、私はこれと同じように奇妙な別の悪い映画を考えるのに苦労しています。ジェフ・ゴールドブラム、ガブリエル・バーン、エレン・バーキン、リチャード・ドレイファス、ダイアン・レーン、グレゴリー・ハインズ、バート・レイノルズ、ロブ・レイナー、カイル・マクラクランなどを含む印象的なキャストで、オープニングナレーションによると、別の次元に設定されたギャング映画です。 「ヴィックの世界」と呼ばれるこの宇宙には、老朽化した地下室での銃撃戦に参加するギャング映画のステレオタイプが完全に住んでいます。銃の決闘は、これらのタフな男たちが古い木製の机の後ろにくつろいでいる間に行われます。私を信じて;それは非常に独特であるため、人々が恐ろしく悪い映画を見ることを楽しむ宇宙で作られたようです。
1。災害ムービー（2008）
タイトル「Disaster Movie」は、コンテンツを正確に表していないため、誤解を招くものです。作家/監督のジェイソン・フリードバーグとアーロン・セルツァーによってパロディ化された映画には、伝統的な災害ではなく、代わりに「紀元前10,000」、「ハンコック」、「ジャンパー」、「魔法」、「アルビンと「チプマンク」、「ベオウルフ」、「愛のグール」などの映画が含まれています。このプロダクションは、その最小限のキャラクター、弱いストーリーライン、貧しい有名人の印象への依存のために、ほとんど映画とは見なされません。キャラクターは、「エイミーワインハウス？！」など、誰が画面に表示されるかを頻繁に発表します。
この映画は、私が今まで目撃した映画の失敗の最も悲しい例の1つです。男が不十分に作られたカンフーパンダのコスチュームと戦っていた頃には、私は怒っていることから真の共感に移行しました。
過去30年間の30の最高の映画（1995-2024）
30。マスター（2012）
2012年、ポール・トーマス・アンダーソンの称賛された映画「マスター」を取り巻く多くの議論は、L。ロン・ハバードとサイエントロジーとの明らかな類似点を中心に展開しました。一部の批評家や視聴者は、映画の根底にあるメッセージが曖昧だと感じました。ランカスター・ドッドは、故フィリップ・シーモア・ホフマンによって描かれていますか？彼は、ドッドの教えの核となる原則と矛盾しているように見えるフレディ・クエル（ジョアキン・フェニックス）で何を見ていますか？映画を再視聴すると、「マスター」はアンダーソンの「ファントムスレッド」と同じくらい複雑なラブストーリーであると感じ、特に過去の生活のトラウマを消去すると公言する人についての物語に感動しましたが、現在の人生のトラウマに対処するのに最も献身的な弟子を助けさえすることさえできません。
29。青いドレスの悪魔（1995）
Is there any man who has ever pulled off a pristine white tank top as effortlessly as Denzel Washington did in “Devil in a Blue Dress”? While this may not be the most objective method to gauge a film’s success, it’s worth mentioning that this movie, adapted from Walter Mosley’s detective novel, showcases one of the most captivating leading performances of the 1990s by Denzel Washington. He portrays Easy Rawlings, an unemployed factory worker who finds himself embroiled in a complex and unexpected mystery after agreeing to help locate a missing person. The supporting cast, including Tom Sizemore, Jennifer Beals, and a young Don Cheadle as Easy’s friend Mouse, is exceptional, and the script by director Carl Franklin delves deeply into the racial disparities of 1940s Los Angeles. Not to mention, Denzel Washington is impossible to look away from in this film throughout its entirety.
28. The Favourite (2018)
In the indulgent richness and fulfillment of a lavish cake, “The Favourite” unfolds as an intense power struggle among the women who ruled England in the early 18th century. The trio includes the cunning Lady Sarah (Rachel Weisz), the manipulative Abigail (Emma Stone), and the pitiful, ailing Queen Anne (Olivia Colman, delivering a humorous yet poignant performance). Despite the appearance of a conventional Awards Season Costume Drama, “The Favourite” was far from typical Oscar fare (though Colman did win 2018’s Best Actress award). It skillfully explored themes of sexuality, gender roles, and politics, while also becoming one of the most subtly quotable films of the century. And although one character remarks that favor is “like a wind that changes direction frequently,” I suspect “The Favourite” will endure as one of my favorites for a long time to come.
27. Holy Motors (2012)
Leos Carax’s film Holy Motors is like the most captivating dream you could ever have, without actually drifting off to sleep. It’s an explosive burst of raw, unrestrained subconsciousness, or perhaps superconsciousness, and a poignant and sorrowful ode to cinema, acting, and life itself. The film suggests that these realms are all intertwined in some way, according to Holy Motors. Denis Lavant headlines the cast, delivering exceptional performances in 11 distinct roles, as Oscar, a man who journeys through Paris in a limousine, seamlessly transitioning between various characters such as a motion-capture artist, a gangster, and a beggar. The specifics of Oscar’s occupation remain mysterious; however, it is undeniable that Holy Motors serves as a potent declaration about the enduring enchantment and unrealized possibilities of cinema, even in an era when traditional movie-watching experiences are waning and the future of film distribution is uncertain.
26. Jackie Brown (1997)
The characters in “Jackie Brown” are remarkably human, and I appreciate their imperfections. Max Cherry is not your typical cool gangster dressed in a sharp suit; instead, he’s an unassuming man with thinning hair. Jackie Brown isn’t portrayed as a skilled criminal mastermind; she practices her tough-guy moves before facing off against a gunrunner. Louis Gara, during a robbery, even forgets where he parked his car at the mall. These characters are just ordinary people! I believe that some of Tarantino’s later films, though excellent, might benefit from more authentic human traits. Some viewers were initially disappointed by Jackie Brown because it didn’t match the flashiness and complexity of Pulp Fiction upon its release, but even if Tarantino’s choices here aren’t as attention-grabbing, they are flawless. The opening credits, partially inspired by “The Graduate,” provide essential insight into Jackie’s character before she utters a single word. Scenes like the one where Ordell settles accounts with Beaumont are exceptional, and the movie ends with one of the greatest movie kisses ever. It’s not because it’s incredibly sexy; rather, it’s imperfect, which makes it all the more captivating.
25. The Fabelmans (2022)
The striking aspect of “The Fabelmans” lies in the fact that, even after seven decades since the real-life events depicted in its opening scene, Steven Spielberg continues to be as enamored with films as young Sammy Fabelman, who was enthralled by “The Greatest Show on Earth” and immediately captivated by the images he saw. Over the years, Spielberg has accumulated a wealth of knowledge about filmmaking, mastering the use of visuals and sound to evoke emotions like joy, empathy, fear, and understanding. Yet, he has never forgotten the reason behind it all.
The reason for “The Fabelmans” is to narrate his personal journey, revealing both the bright and the dark aspects of cinema and life. Cinema serves as a means for Sammy to cope with his fears and loneliness, but sometimes it pushes him even further apart, at home and in school. His growing interest in directing provides a way for him to bond with his artistic mother, brilliantly portrayed by Michelle Williams — yet it also poses a risk of revealing her deepest secrets. And now, decades later, this passion has equipped Spielberg with the skills to tell this extraordinary tale, brimming with life, love, joy, and sadness — qualities that define great films.
24. Barb and Star Go to Vista Del Mar (2021)
Kristen Wiig and Annie Mumolo have returned with their highly-anticipated sequel to “Bridesmaids” in the form of this hilarious comedy. They not only wrote it, but also star as a duo of friends who are stuck working at Jennifer Convertibles in Soft Rock, Nebraska. When they lose their jobs, they use their severance pay for an extravagant trip to Florida, where they both become smitten with a handsome enigma (Jamie Dornan, bravely satirizing his own image as a muscular Casanova). This man is part of a plot to ruin the town using genetically-modified mosquitoes, yes, the old trope.
Wiig and Mumolo are outstanding in their roles, tackling subjects like Tommy Bahama fashion and the allure of the name Trish. The script will be remembered until we’re all swarmed by killer mosquitoes. In these challenging times, “Barb and Star Go to Vista Del Mar” has arrived like a pair of sequined pants, shining brightly as a guiding light to help us escape our troubles.
23. Inside Out (2015)
Prior to his tenure as Pixar’s chief creative officer, Pete Docter was considered a brilliant mind within the company. He contributed as a writer for movies like ‘Toy Story’, ‘Toy Story 2’, and ‘WALL-E’, and directed three of the studio’s most acclaimed films: ‘Monsters, Inc.’, ‘Up’, and ‘Inside Out’. The latter is an exceptionally crafted narrative that delves into the inner life of an 11-year-old girl, Riley. When Riley’s family moves from Minnesota to San Francisco, her world experiences turmoil, leading to a conflict between her personified emotions in her brain. The design of Riley’s brainscape is incredibly innovative, offering intrigue in every frame of every scene. Above all, ‘Inside Out’ stands out as one of the most insightful films ever produced about the significance of sadness and mourning in our lives.
22. The King of Kong: A Fistful of Quarters (2007)
21. Memento (2000)
Warning: Underestimate Memento as merely a cinematic trick at your own risk. While it’s true that the intricate and convoluted narrative structure is one of director Christopher Nolan’s most challenging works, if not cinema history’s overall, the jumbled timelines and frequent flashbacks serve a purpose beyond capturing the viewer’s attention. They create a sense of disorientation that mirrors the fragmented state of mind of the film’s protagonist, Leonard Shelby (Guy Pearce), who suffers from a rare form of amnesia, making it impossible for him to create new memories.
Despite his condition, Leonard persists in seeking out the man who murdered his wife. The initial scenes suggest he has succeeded, but then systematically rewinds through the preceding days to reveal the truth. Nolan’s innovative approach catapulted him into the spotlight as an exciting emerging director, yet there is nothing glamorous about Leonard himself. He is ultimately portrayed as a tragic character driven by the most fundamental human desire: The belief that his life holds significance. As Nolan continued to explore form and carried forward many of Memento’s themes throughout his career, he seemed to have set aside the dark humor that pervades the film, from Leonard’s uncertainty during a chase scene about whether he is the hunter or the hunted, to the naming of Leonard’s hotel as the “Discount Inn” (because he spends the movie questioning the story of Sammy Jenkins, a man he once met who suffered from a similar medical condition).
20. L.A. Confidential (1997)
Reflecting on the layers of nostalgic unraveling I find myself immersed in with “L.A. Confidential,” it’s fascinating to consider. Set in the 1950s, it echoes the mood of “Chinatown” from the 1970s and was produced during the late 1990s, a time when it was still feasible to craft an expansive big-budget crime drama with a limited number of well-known stars. Notably, Kevin Spacey and Kim Basinger were the only familiar faces among the main cast.
Much like the James Ellroy novel it’s based on, “L.A. Confidential” shatters the romanticized notion that the 1950s represented a more straightforward, joyful era in sunny Los Angeles. As one character remarks, that idyllic image has been peddled to us; the reality had largely remained hidden until Ellroy and director Curtis Hanson brought it to light.
19. The Prestige (2006)
As a cinema enthusiast, I can’t help but rave about “The Prestige” by Christopher Nolan. This masterpiece skillfully weaves together his signature cinematic techniques – intricate time structures, unexpected twists, and morally complex protagonists who often grapple with the loss of their spouses. The story unfolds in Victorian London, where two rivaling magicians, played by Christian Bale and Hugh Jackman, push each other to extraordinary feats – both groundbreaking innovations and deadly acts.
The film presents a Russian doll-like structure, with stories nesting within stories, delving into the concept of artists making sacrifices for their craft and the duality of good and evil lurking within every individual. Even after you’ve uncovered the film’s powerful surprises, it remains a delight to watch and rewatch “The Prestige”. With each viewing, new details emerge, revealing how meticulously Nolan foreshadows every plot twist – if you pay close attention.
18. The Social Network (2010)
The question of whether director David Fincher and screenwriter Aaron Sorkin accurately depicted the beginnings of Facebook may be subjective, but there’s no denying their portrayal of a particular type of man, represented by Jesse Eisenberg’s character Mark Zuckerberg: intelligent, resentful, arrogant, yearning for affection and approval. Fincher’s decision to make a film about Facebook in 2010 might have puzzled some viewers at the time, but now it seems clear that it was a spiritual successor to Fight Club, another tale of a disillusioned, isolated man who learns that unleashing his anger on society can lead to unexpected results. The pivotal element in this movie is Justin Timberlake’s casting as Napster founder (and early Facebook executive) Sean Parker, who serves as Mark Zuckerberg’s counterpart to Tyler Durden. Timberlake and Eisenberg share such a striking resemblance that they could almost pass for brothers – if one had won the genetic lottery and the other rolled double snakes. This is the image of success Mark aspires to, and he comes so close.
17. Nickel Boys (2024)
In this job, you often get to watch a variety of excellent and exceptional films. However, it’s rare to come across a movie that feels fresh and innovative, one that explores uncharted territories within its medium. But then, every now and then, a gem like “Nickel Boys” appears. This is not just an original film, but a bold one, with a unique perspective – or in this case, dual perspectives.
This is so because the co-screenwriter and director, RaMell Ross, took a daring approach by shooting most of his adaptation of Colson Whitehead’s Pulitzer Prize-winning novel through point-of-view shots from the eyes of its two primary characters. The extraordinary POV camerawork of Ross and cinematographer Jomo Fray immerses the viewer into the thoughts and experiences of two young men enduring a harsh Florida reform school in the 1960s. (I still can’t comprehend why Fray wasn’t nominated for an Oscar for Best Cinematography.) Misused, this technique could become a bothersome gimmick. But under Ross’ guidance, you genuinely feel like you’ve experienced the world from a new perspective. And perhaps, glimpsed the future of cinema as well.
16. Past Lives (2023)
In a poignant blend of beauty and sorrow, this captivating drama delves into the unseen influences guiding our lives – whether it’s fate, destiny, or what I’ll call inyun – forces that bind us together yet drive us apart, much like magnetic attractions subject to the unchanging rules of physics. The narrative revolves around two characters: Nora (Greta Lee), a writer, and Hae Sung (Teo Yoo), an engineer. Despite their inability to maintain a lasting relationship, they are bound by an intense connection that keeps them from drifting apart. Their paths cross at various stages of life – as children, college students, and adults – with the world around them constantly evolving, but their central bond endures. In this third encounter, Nora is married to an American named Arthur (John Magaro). The question arises: Will Nora remain loyal to her husband or will she find herself in Hae Sung’s arms? The heart-wrenching conclusion of this subtle love triangle leaves you pondering the critical junctures and decisions that have molded your own life, even when their significance only becomes apparent in retrospect.
15. Boyhood (2014)
Over the course of twelve years, I’ve had the privilege of following a young boy (Ellar Coltrane), his mother (Patricia Arquette), and his sister (Lorelei Linklater) through their lives, as directed by Richard Linklater. Some may view this film as an autobiographical stunt by Linklater, but the outcome is far from trivial. It presents a fascinating snapshot – or rather, a series of snapshots – of American life during the early 21st century, capturing the love, hardships, and sacrifices of one extraordinary family. Time is integral to all films, but Boyhood has a distinctive bond with it. The progression of the actors throughout the movie adds an extra layer of emotional depth to certain scenes, and intensifies the poignancy in others. When Arquette delivers her closing speech about her life experiences, she speaks from a well of real-life pain and joy accumulated over a dozen years. As Roger Ebert once said, “We live within a box of space and time, and movies are windows into its walls.” I believe that Boyhood offers some of the widest windows yet.
14. Catch Me If You Can (2002)
In a unique blend, “Catch Me If You Can” stands as one of Steven Spielberg’s most delightfully frivolous productions and his most introspective examination of solitude and family. The film boasts an exceptional ensemble cast: Leonardo DiCaprio portrays the brilliant swindler Frank Abagnale Jr., Christopher Walken takes on the role of his struggling father, Jennifer Garner and Amy Adams play two of Frank Jr.’s romantic interests, and Tom Hanks assumes the part of tenacious, humorless FBI agent Carl Hanratty.
The cat-and-mouse game between Hanratty and Frank, marked by the latter’s creative evasions and disguises, is at once thrilling and poignant. Both characters are so isolated that their relentless chase becomes the sole constant in their lives, symbolized by their annual Christmas phone calls. (Notably, “Catch Me If You Can” might be the most melancholic Christmas film since “It’s a Wonderful Life.”) If you don’t find this movie endearing, I have a knock-knock joke for you.
13. Mad Max: Fury Road (2015)
The film “Mad Max: Fury Road” stands out as the most exceptional car chase movie of our time, a fact that’s hard to deny. However, what makes this movie truly unique is its deep spiritual and even Biblical undertones. It’s essentially a journey from the doomed cities of Sodom and Gomorrah in search of a new paradise. This journey is led by the legendary Imperator Furiosa, played by Charlize Theron, with Tom Hardy’s enigmatic Max serving as their guide through the desert. While Max assists them in finding safety, he cannot share their ultimate destiny. George Miller’s breathtaking chaos demonstrates that action movies can indeed be both exciting and intelligent. If anyone attempts to persuade you otherwise, simply look them straight in the eye and say, “That’s absurd.
12. Killers of the Flower Moon (2023)
Martin Scorsese, now over 80 years old, continues to challenge himself and his viewers, eliciting remarkable performances from actors, and delving into recurring themes that have graced many of his finest films – the allure and destructive nature of wealth, and the shadows of darkness and tragedy concealed within American history. The setting for this exploration is the “Reign of Terror” that claimed the lives of numerous Osage Nation members in the 1920s, following their control of oil-rich lands in Oklahoma, which made them a target for their white neighbors, including one (Leonardo DiCaprio’s Ernest Burkhart) who is married to an Osage oil millionaire (Lily Gladstone’s Mollie). It seems I find myself writing this with each new Scorsese film these days, but it may be more accurate for Killers of the Flower Moon than any other – if this proves to be his last film, it would serve as a fitting and resounding finale to an extraordinary career.
11. Boogie Nights (1997)
Paul Thomas Anderson’s film navigates through the vibrant, comedic, and heartbreaking era of the 1970s Southern California porn industry with an effortless grace, reminiscent of Heather Graham skating smoothly. The movie introduces a captivating ensemble of characters, such as Burt Reynolds, playing a failed porn director, and Julianne Moore, portraying Amber Waves, a troubled caregiver hooked on drugs. It’s not far-fetched to assume that the character’s name isn’t coincidental; Anderson is delving into more than just these individuals – he’s examining America in all its splendor (and sexually active, melancholic, and drug-ridden aspects) during the late 1970s.
10. The Matrix (1999)
One of the unique advantages of growing older is being able to observe how films maintain their appeal over time. I watched The Matrix during its initial release with minimal expectations, yet it was an exhilarating experience that I still vividly remember – the theater, the specific auditorium at the multiplex, and even my seat. The previews looked promising, but the film itself surpassed those expectations, captivating and entertaining me.
Twenty years on, it continues to impress. My only qualm with this movie: It’s not a suitable choice to play in the background while trying to complete work since you’ll find yourself repeatedly drawn back into watching The Matrix yet again.
9. The Diving Bell and the Butterfly (2007)
2007 saw an abundance of exceptional films, but among them, one movie holds a unique significance in my heart – “The Diving Bell & The Butterfly”, directed by Julian Schnabel. This film was an adaptation of Jean-Dominique Bauby’s memoir, chronicling his struggle with locked-in syndrome. Bauby’s narrative, and Schnabel’s portrayal of the message to live life fully, left a profound impact on me that remains unforgettable. As I exited the theater, I was instantly inspired to propose to my girlfriend, a decision I’ve never regretted as it led to 15+ years and two beautiful children together. Re-watching it recently, I can attest that its impact hasn’t waned one bit.
8. The Truman Show (1998)
It’s quite possible that our lives are just part of a virtual reality. If they aren’t, then The Truman Show seems to have foreseen everything about our modern world – characterized by privacy invasion, product placement, escalating anxiety, and an overwhelming sense of artificiality – in a way that appears implausible. Additionally, though this film primarily revolves around a man living within a massive reality TV show, the experiences of its protagonist during the first half can be seen as an insightful depiction of a mid-life crisis, encapsulating the feeling of suddenly questioning, “Is this my genuine life?!” at age 40.
7. Zodiac (2007)
David Fincher’s film, “Zodiac,” delves deeper than just portraying serial killers; it serves as a chronicle spanning several decades of San Francisco’s history, told from the perspectives of three men: a detective (Mark Ruffalo), who is said to have inspired the movie “Bullitt,” a crime reporter for the Chronicle (Robert Downey Jr.), whose articles made him a Zodiac Killer target, and an amateur codebreaker and sleuth (Jake Gyllenhaal) named Robert Graysmith. Graysmith becomes obsessed with the case even after the killings cease, which is a theme that “Zodiac” masterfully explores more effectively than most films. Fincher skillfully immerses viewers in this intricate web of clues and deceit using exceptional cinematography and editing techniques. By the film’s final scene, which poignantly circles back to its opening moments following 157 suspenseful minutes, every viewer can empathize with Robert Graysmith’s unshakable fixation on the case.
6. Inside Llewyn Davis (2013)
Viewed from a particular perspective, all the films Joel and Ethan Coen have collaboratively produced can be seen as duets. “Inside Llewyn Davis” serves as their duet on the theme of duets. Previously, I’ve elaborated that this movie is not just a depiction of New York’s folk music scene in the early 1960s, but also explores the chain of small tragedies that afflict a talented musician (played by Oscar Isaac, marking his breakthrough role) following the demise of his partner. It seems fitting that although Llewyn’s voice and guitar playing are captivating, his most beautiful song is “Fare Thee Well.” This melody loses its charm when played solo.
5.Lady Bird (2017)
Greta Gerwig’s film, “Lady Bird,” is centered around various pairs of contrasting elements: The protagonist carries two first names, she has two romantic interests throughout the story, and she maintains relationships with two best friends. The narrative unfolds across two school terms, each marked by its unique school play. There are two dances, two parties, two significant family dynamics, and she considers applications to two different colleges while regularly attending two churches. This multitude of options makes “Lady Bird” a deeply thought-provoking movie about choice – choices that, at the protagonist’s age, seem like life-altering decisions. In many ways, they are.
4. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
I can’t recall the exact location or date I first watched Eternal Sunshine. This movie was released about 20 years ago, during my time living and studying in New York City. Regrettably, the memory of that screening has faded away like many memories do as the years pass. However, this makes me value the film more now than I did in 2004. The reason is simple: Eternal Sunshine of the Spotless Mind explores a sci-fi premise (a couple who erase their memories of each other due to a new technology, resulting in tragicomic consequences) to contemplate the effects of natural memory loss. The performances by Jim Carrey and Kate Winslet are among the greatest in cinema history, as their doomed relationship resonates with viewers because every relationship ultimately follows the same path; like a beach house eroding into the sea.
3. American Movie (1999)
In this lighthearted yet poignant documentary, aspiring filmmaker Mark Borchardt’s persistent efforts to realize his long-held dream project offer a profound and melancholic depiction of unrealized aspirations. Despite his eloquent expressions about the necessity of creation, he never fully achieves all that he aims for. The film, titled American Movie, is not just a fascinating study of friendship, but also showcases Mark’s reliance on his companion Mike in producing his low-budget films. It’s an entertaining watch when you’re young, but profoundly heartbreaking when you’re older. Without a doubt, it ranks among the most memorable American movies of recent times.
2. Take Shelter (2011)
For someone who has endured an excessive number of panic attacks, I wholeheartedly assert that the film “Take Shelter” stands among the finest ever produced on the subject of living with anxiety. The character Curtis LaForche, portrayed brilliantly by Michael Shannon, is a family man with a loving wife and daughter. Yet, he is haunted by terrifying dreams of catastrophic storms and an unshakable feeling that disaster is imminent. Delivering an exceptional performance alongside Jessica Chastain as his spouse, “Take Shelter” vividly portrays the vicious cycle of fear with striking authenticity. Curtis fears he may be on the brink of a breakdown, as mental illness has a history in his family, which only intensifies his anxiety, causing him even greater distress. While many might label the film’s conclusion as ambiguous, I see it as inevitable, for it acknowledges that this type of anxiety cannot be conquered. Neither can it be halted by constructing physical or metaphorical barriers to safeguard what we cherish. It can merely be comprehended and, with the assistance of friends and loved ones, managed.
1. Once Upon a Time in Hollywood (2019)
As a devoted cinephile, I found myself seated at Musso & Frank Grill alongside Rick Dalton and Cliff Booth, with producer Marvin Schwarz proposing a role in Italian Westerns for Rick. The proposition left Rick shattered, convinced he was past his prime. Upon exiting the eatery, the weight of his despair hit him hard, tears streaming down his face. Quentin Tarantino masterfully positioned the camera low, panning up to reveal the towering Musso & Frank Grill sign above them, its message stark: “Oldest in Hollywood.” In that instant, Rick seemed like a relic of a bygone era, and though he had a few good years left, it felt as if his time was running out. Tarantino’s “Once Upon a Time in Hollywood” is an exceptional film, brimming with brilliant details such as this poignant scene. It serves not only as a vivid portrayal of a turbulent era in America (and pop culture), but also as a heartfelt homage to an art form that might soon be fading away too.
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2025-07-15 17:36